其次镜头与剪辑都符合观众对主流电影的观影习惯，速度不快不慢，节奏一张一弛。
最大限度保证看得很轻松，忘记镜头安排而专注动作打斗的内容，看完不累。
而且他的动作设计不太依赖其他的因素，比如桌椅杂耍、镜头瞎晃、威亚满天飞……
就是规规矩矩的搏击，都是在拳脚功夫本体上做文章。恰是这样有板有眼的武指风格，才能够更好地加载到其他主题的电影上去。
就好比一个性格随和的木匠师傅，你要他造什么东西他就造什么东西，让他造什么样他就造什么样，没有自己的所谓秉持或怪癖，所以大家都爱找他。
再说的装逼点就是：
上善若水，水利万物而不争。
这就是为什么程龙甄子单只能拍自己的电影，而袁八爷能拍所有人的电影。
他们只能拍专门打架的片子，再糊弄个主题对付一下。而袁八爷能够拍文艺片，拍漫画片，拍科幻片，拍哲思片，拍主旋律，拍央视四大名着，拍B级片……
他没有自己的招牌，没有所谓一代宗师，只是个匠人，而正是这样勿以有己的专注成就动作设计真正的大宗师。
曾经臭脾气跟脾气臭闹翻后，请八爷来救驾，也能二话不说的来拍，照样拍得有模有样，还能与之前洪金宝的风格接得上。
只一个抽象的特点：确保观众能看清楚每一拳每一脚的原因，确定一个你一拳我一脚的攻防互动的链条。
除此之外，你想搞成什么风格都随便。可以很快很凌厉如杀死比尔，也可以很慢很唯美如夜宴，可以很夸张飞到天上房塌地陷如功夫，也可以细针密织地在那干打如卧虎藏龙和黑客帝国……
论硬本事，港岛武行谁都不比谁差，毕竟混了几十年。差别在于各自的审美诉求不同，才导致客观上的结果。
就好比抽象画和写实画，基本功都一样，但最有市场的往往是偏写实、又稍带点渲染力的作品。
丁诚总结袁和平的动作戏，就六个字：
看得懂，
看得爽！
所谓看得懂，用的招数与攻击的要害，比如撇指头等反关节用力，攻击腋下、腰部等最软的部位……
力度大小，摔飞的方向，都是人类最基本的共识，能产生共鸣。
观众能理解，能相信，才能移情，能带入。
看得爽是每场动作戏都是一条精准反映动作、又生动渲染动作的镜头流。镜头与剪辑，以最大限度地让观众看明白动作与动作逻辑为准。
同时又在此基础上有渲染与夸张，让观众看得过瘾，看得起劲。
用喜闻乐见的动作要素，重点在重新组合。也就是说用主流故事片叙事模式在动作戏上的反映。
流畅因果链条，清楚让你看到。速度不快不慢，内容不多不少。反复转换攻防，双向拉锯力道。过程含金量高，生活常见各招。镜语平实生动，绝不胡乱花哨。
最后产生的结果是，观众会追随打斗一方，在遭遇对手每一招时，跟着角色想该怎么办？
《霍元甲》里李成杰被比强壮数倍的大力士锁住双臂抱起，动弹不得，节奏在此处有一个悬停，他在用力挣扎……
观众跟着他的处境一起在想该怎么办，后来用手抠进大力士的肋骨，敌人疼得被迫松开，所有人才松口气。
他是浪漫与真实的调和，浪漫是延长真实，是夸张，能填补人们对无趣现实的遗憾，观影是一次心理狂欢。
而如果把握不好尺度，就会剑走偏锋，使观众从心甘情愿地被欺骗中抽离出来，因为太假与太真都会让观众觉得烦。
痴迷于夸张风格的观众在少数，痴迷于武打写实的观众也在少数，迷恋于某种特定风格的观众也在少数。
所以不走极端、中规中矩的袁氏动作片迎合绝大多数观众的审美。
更让自己欣赏的是，拒绝用打斗外的东西组织内容，几乎不依赖戏剧情节、特定文化，以及某种美学风格。
专注于搏斗的分内之事，尽量保持打斗的纯粹。发掘动作本身细节之美，把竞击本身拍得有章有法，独具天地。
人物一经交手就是长时间恶战，场景封闭，动作连贯，所有的动作元素必须参与攻防。
舞蹈和杂技色彩的动作就算出现在他的动作戏中，也绝对不再是它们本身，而被拆分成一个个因素，成为打斗链条中的必要动作。
这种紧扣武打分内之事的动作设计，才能随意嫁接到别的电影中。任何风格与它结合都不会生硬，不会与它本来的什么“鲜明风格”相抵触。
科幻题材就飞得高些，cult片就多喷点血、摔打得猛一些，漫画喜剧题材就让动作简单夸张一些，古典武侠片就让动作饱和丰富一点，想要唯美的就让节奏慢些柔和。
程小东向写实的回归，元奎在好莱坞拍的几部片、甄子单的叶问系列与他的不谋而合……
本身充分证明观众对武术电影的天然诉求！
在电影大工业的今天，越来越娴熟，越来越有创意的电影语言，并不能取代功夫动作本身，老外对咱们功夫的迷恋一定是对真功夫迷恋，
因为他们不懂所谓的武侠文化，也见多了谐趣杂耍，特效更不用说。
最后只有逻辑性和线性叙事才是王道，能够填平文化差异的也有人类对于搏斗实战的共通经验。
拳拳到肉，
刀刀见血，
一招一式，
真实感！
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